INFLUENCIA DEL DIBUJO INFANTIL
- Antonio Amilivia
- 23 oct 2022
- 8 Min. de lectura
Actualizado: 23 dic 2024
Los dibujos de los niños no siempre se han considerado dignos de la atención de los adultos. Además, la propia noción de infancia es muy reciente: las concepciones modernas de las categorías de edad se desarrollaron en torno al siglo XIX. Cuando finalmente se ha reconocido como una etapa esencial en el desarrollo de la personalidad, muchos investigadores han comenzado a estudiar el dibujo infantil. Este cambio de paradigma está relacionado con la aparición de una nueva ciencia: la psicología infantil. Para estudiar las peculiaridades del desarrollo psicológico del niño, los científicos han recurrido a los temas de la creatividad infantil. Antes, el dibujo se consideraba una asignatura estrictamente académica que no permitía el "infantilismo" ni las desviaciones de los patrones y reglas establecidos.
Uno de los primeros trabajos serios sobre la creatividad de los niños fue un libro del historiador de arte italiano Corrado Ricci, publicado en 1887. Ricci descubrió la peculiaridad de la creatividad de los niños. De hecho, fue el primero en ver los dibujos infantiles no como unos garabatos lamentables y poco hábiles, sino como etapas naturales en el desarrollo; advirtió algunos rasgos comunes a todos y propuso delimitar los dos periodos básicos del dibujo infantil: la preimagen y las bellas artes propiamente dichas. Hizo un descubrimiento revolucionario para la pedagogía de su tiempo: que el dibujo de los niños no se basa en la similitud con un objeto real, sino en la idea que el niño tiene de ese objeto.
Su interés por los dibujos encontró eco en los trabajos sobre psicología infantil, que empezaron a asociar el dibujo con características del desarrollo de diversas funciones mentales. En particular, J. Selly escribió sobre ello en sus "Ensayos sobre la psicología de la infancia", mostrando una similitud entre la formación del dibujo esquemático y el habla.
La teoría sobre la interrelación del desarrollo del dibujo y el habla en la infancia está respaldada por muchos investigadores. Por ejemplo, William Stern correlacionó los "garabatos" con el balbuceo del niño y las palabras de dos sílabas, y calificó los primeros dibujos de los niños de "símbolos" más que de representaciones de objetos ("The Psychology of Early Childhood to Six Years of Age", 1922). En el libro "El desarrollo espiritual del niño" (1918), el psicólogo alemán Carl Bühler no solo señaló las características generales del desarrollo de la función del habla y la creatividad de los niños, sino que también destacó la influencia del habla en el dibujo.
Gracias al interés que suscitó, el dibujo infantil fue finalmente aceptado como una actividad peculiar con una finalidad completamente diferente a la del dibujo de los adultos. Debido a la incoherencia del dibujo infantil con las realidades "visibles", llegó a considerarse una forma de juego. Este planteamiento se describe en el libro Children's Drawing (1927) del investigador francés Georges-Henri Lucquet.
La periodización de las etapas de desarrollo del dibujo infantil fue propuesta por Georg Kerschensteiner en su libro "El desarrollo de la capacidad de dibujar". Tras generalizar algunas clasificaciones conocidas, distinguió cinco etapas básicas en el desarrollo del dibujo del niño.
1. Trazos o garabatos sin sentido. Son líneas involuntarias trazadas en un desorden caótico.
2. imágenes sin forma. Visualmente, a veces no se distinguen de los dibujos de la primera etapa. Pero ahora el niño trata de encontrar un significado a su dibujo.
3. Imágenes esquemáticas. En este momento, el niño realiza dibujos construidos según ciertos cánones (cielo y tierra en forma de rayas en los bordes de la hoja, falta de perspectiva y proporciones realistas de los objetos).
4. Imágenes plausibles, o "semiesquemas". Los objetos adquieren su tamaño y apariencia reales, se intenta representar diferentes planos, para encontrar las proporciones de tamaño correctas. La gente asume una variedad de poses.
5. Imágenes correctas. La etapa se caracteriza por dibujos realistas con perspectiva, volumen, luz y sombra.
Las investigaciones serias sobre el dibujo infantil influyeron en un cambio de actitud hacia la creatividad de los niños y modificaron casi por completo la concepción pedagógica de la época. En lugar de memorizar patrones académicos y perfeccionar la técnica "correcta", se permitía a los niños crear y experimentar. A principios del siglo XX, en Europa y Estados Unidos, nació una dirección fundamentalmente nueva en la enseñanza del dibujo a los niños. En realidad, no hubo enseñanza en el sentido anterior: se utilizaron métodos lúdicos y se prestó mucha atención a la experiencia sensorial.
La liberación del arte infantil de las rigideces escolares comenzó en 1897, cuando el educador checo Franz Cižek abrió una singular Escuela de Arte Infantil en Viena. Su lema "sin límites, sin reglas" permitía a los niños experimentar con medios artísticos, inventar sus propias técnicas y, finalmente, evitar guiarse por la uniformidad. La escuela existió hasta 1938, y sus principales ideas se difundieron por las instituciones educativas europeas y americanas.
El educador estadounidense John Dewey introdujo el método de dibujo libre en las escuelas de Estados Unidos, haciendo hincapié en que el niño debía ser el principal participante en el proceso creativo en lugar de un hábil copiador de los patrones creados por el profesor. La atención se centraba en liberar la energía creativa del niño y el objetivo del aprendizaje pasaba de producir resultados a proporcionar al niño un entorno en el que ser creativo.
Además de los psicólogos, los estudiosos culturales y los filósofos se interesaron por el fenómeno del dibujo infantil. Una consecuencia interesante de esta atención fue la teoría de la biogénesis, que apareció en Europa también a principios del siglo XX. Siguiendo la afirmación de que el desarrollo del individuo repite el proceso del desarrollo humano histórico (la ontogénesis repite la filogenia), los defensores de la teoría propusieron ver la formación del dibujo infantil como un espejo de la evolución de las bellas artes. El historiador alemán Carl Lamprecht expuso esta teoría con ejemplos en su libro Collected Drawings of Children (1909). En él estableció un paralelismo entre la creatividad en las diferentes etapas de la civilización humana y las peculiaridades del desarrollo mental.
Según esta teoría, las primeras formas de dibujar -los garabatos- corresponden al arte arcaico, su finalidad es dominar el espacio. Además, los dibujos esquemáticos, con sus elementos desproporcionados, se asemejan a la pintura medieval, en la que se resaltaba gráficamente lo significativo. Poco a poco, el dibujo adquiere la plasticidad y la perspectiva que la humanidad alcanzó en las imágenes artísticas del Renacimiento y de épocas posteriores.
El dibujo infantil fue tan importante que no solo afectó a los científicos especializados, sino también a los artistas, que encontraron en él nuevas ideas y un estilo fresco. El dadaísmo y el primitivismo fueron las tendencias pictóricas más notables que se centraron en elementos del dibujo de los niños, pero los cubistas franceses fueron los primeros en prestar atención a las características artísticas del dibujo infantil.
Los cubistas tomaban una imagen bidimensional y "plana" de un dibujo infantil y, como los niños, intentaban mostrar el tema simultáneamente desde todos los ángulos. Los artistas reconocían la convencionalidad del espacio y rompían la perspectiva lineal. Georges Braque, por ejemplo, no representaba un objeto en una única forma coherente, sino en un conjunto de facetas, lo que asemeja su trabajo con el dibujo esquemático de los niños.
La falta de normas y la libertad de elección de los principios artísticos inherentes al dibujo infantil ha sido una fuente de inspiración para muchos artistas. Esta manera deleitaba a los primitivos, que deliberadamente no utilizaban habilidades artísticas "adultas" ni desarrollaban su técnica. Muchos artistas autodidactas crearon obras directas al nivel de los dibujos infantiles creíbles, mientras que otros aspiraban a ello y reproducían deliberadamente rasgos de este estilo.
El retrato parece un dibujo infantil y verosímil de una persona. Es una típica figura femenina esquemática. Sus rasgos característicos son cierta inconsistencia de proporciones, imagen plana, pose con los brazos abiertos de cara al espectador, posición en la hoja (de borde a borde del cuadro, cabeza por encima de los pájaros).
La obra de Paul Klee ha sido comparada con la época del dibujo infantil, cuando un niño trata de encontrar una imagen definida en imágenes sin forma o garabatos. Klee experimentó con formas y líneas geométricas, creando imágenes asociativas a partir de elementos gráficos. Al igual que un niño no representa el objeto visible, sino su propia impresión, Klee proclamó el principio "El arte no representa lo visible, sino que lo hace visible".
El paisaje se parece al dibujo de un niño que intenta componer una imagen a partir de figuras geométricas, como una casa a partir de cubos. La perspectiva está rota, la imagen no es tridimensional. Klee experimentó con diferentes formas sencillas e intentó transmitir la impresión solo con el color.
La figura de la marioneta está pintada al estilo de un dibujo esquemático infantil: las proporciones del cuerpo están distorsionadas (la cabeza es demasiado grande, los pies son pequeños y finos, y faltan las orejas) y la imagen es plana. El torso sin abdomen y sin cintura es una forma muy común de representar a las princesas en edad preescolar y primaria.
Tras ellos, los dadaístas proclamaron la simplicidad del pensamiento infantil como base de la creación artística.
Los dadaístas, que rechazaban todos los cánones y manejaban con audacia el cuadro del que partían, creaban con un espíritu completamente infantil. Así como los niños, después de haber empezado a pintar un objeto, de repente terminan el cuadro de una manera completamente diferente, los dadaístas a veces cambiaban de color, pintando sobre el mismo detalle, y en sus dibujos solía haber una asimetría de objetos emparejados (ojos y orejas humanas, por ejemplo). Los dadaístas proclamaron la completa incoherencia de su propia obra, que recuerda a los dibujos impulsivos de los niños que no enlazan las imágenes individuales en una imagen o historia coherente.
Los puntos en común con el trabajo de los niños pueden verse fácilmente en las pinturas de los expresionistas. Los adeptos a esta tendencia redujeron la forma de los objetos a construcciones abstractas y dieron gran importancia al simbolismo del color (todo dibujo de un niño es, en cierta medida, una deformación: el énfasis de lo principal y el "olvido" de los rasgos innecesarios).
Uno de los representantes más llamativos del expresionismo fue Jackson Pollock, cuya obra se asemeja a los experimentos de los niños con las pinturas en la fase de prueba de materiales. Muchos niños de 2 a 3 años disfrutan utilizando la técnica del "goteo" de Pollock, inventándola ellos mismos.
El surrealista Joan Miró también se acercó a las experiencias gráficas de un niño. Este artista se preocupaba sobre todo por la realidad del mundo objetual, y fundía el mundo exterior y el interior en uno solo. Esto es lo que los surrealistas consideraban su "espíritu de la infancia": la realidad del mundo espiritual y su penetración en el presente. Miró pretendía liberar el ámbito del subconsciente del control de la lógica, a la imagen como signo. Escribió de sí mismo que el cuadro aparece "por sí mismo", porque no es él quien controla el pincel, sino que es el proceso de dibujo el que le guía.
El propio título del cuadro recuerda el comentario fantasioso de un niño sobre el dibujo. Los niños hablan de sus imágenes mientras las dibujan y juegan con ellas, y a menudo el dibujo terminado se convierte solo en la asociación final. En los dibujos de los niños a menudo no se ve la imagen en sí, sino solo la pura asociación subjetiva.
En conclusión:
El dibujo infantil es una etapa esencial en el desarrollo del niño, y ha influido de manera decisiva en la historia de la psicología y el arte de vanguardia. Es una forma de crear que a los adultos nos resulta particularmente difícil, porque nos obliga a cambiar nuestros esquemas mentales. De ahí la famosa frase de Picasso: "En aprender a pintar como los pintores del renacimiento tardé unos años; pintar como los niños me llevó toda la vida".
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