¿DIBUJAR DEL NATURAL O A PARTIR DE FOTOGRAFÍAS? PROS Y CONTRAS

Cuando veo en algún foro de arte a artistas veteranos explicar a los principiantes que dibujar a partir de fotos no es una buena opción y no está permitido, me doy cuenta de que tales artistas o son solo teóricos del arte o simplemente están engañando.

¿Se supone que solo se puede dibujar del natural y al aire libre? ¿Y todo lo demás es una patética imitación de la naturaleza?

Recordemos que el "plein air" (el dibujo al aire libre) entró en la historia de la pintura no hace tanto tiempo. Los artistas no empezaron a pintar en la naturaleza hasta el siglo XIX. Hasta entonces pintaban de memoria. Pero ¿tanto ha perdido el arte al sustituir la memoria del artista por la fotografía? La memoria es algo selectivo, no puede captar todos los detalles.

Además, en algunos casos la pintura al aire libre no es el mejor medio para la técnica en sí. Una acuarela, por ejemplo, no la puedo pintar en invierno cuando hace frío: el agua se congela...

Sin embargo, no digo que se deba dibujar a partir de fotos. En mi opinión, no hay que ser categórico al respecto. Como en muchas cosas, hay pros y contras. Intentaré explicar estos puntos.

DIBUJAR A PARTIR DE UNA FOTO: PROS Y CONTRAS.

Las fotografías son "tuertas", muestran un objeto más plano de lo que lo ve el ojo.

De hecho, si miras algún objeto cercano primero con los dos ojos y luego con uno, verás que el objeto se ha vuelto "menos vivo", menos tridimensional.

Dibujando del natural podemos dar la impresión de volumen, pero dibujando a partir de una foto privamos al dibujo de parte de su vida.

Es más fácil dibujar a partir de una foto, el volumen es más visible.

Para un principiante, dibujar a partir de una foto es una escapatoria. Aquí puede ver claramente el volumen en una hoja de papel bidimensional, puede analizar qué color ve en tal o cual zona de la foto y sin perder estas impresiones en la misma hoja de papel bidimensional.

En cambio, transmitir las impresiones visuales de un objeto tridimensional suele provocar una sensación de pérdida e impotencia. Como consecuencia de ello, muchas personas abandonan el dibujo, tras haber perdido la esperanza de poder transferir la forma tridimensional a una hoja de papel.

La fotografía es una excelente ayuda en la primera etapa del aprendizaje. Pero no te quedes estancado en esta fase. Es mejor dibujar del natural y de una foto al mismo tiempo para poder entender cómo y qué ve el ojo en la naturaleza.

Una fotografía distorsiona el tamaño de los objetos lejanos.

Creo que te habrás dado cuenta de que cuando intentas fotografiar un paisaje en el que hay profundidad de espacio, pierdes los objetos del centro. Se reducen mucho en altura. Así que las altas montañas que te impactaron parecen meras colinas en la foto.

Se pueden hacer fotografías en condiciones que no son adecuadas para el dibujo al aire libre.

Y eso, diría yo, es una gran ventaja. La cámara nos permite captar esos paisajes a los que un artista con su caballete no puede acceder. Prueba a dibujar en la cima del Everest o en medio de una autopista con mucho tráfico, con un frío glacial o bajo la lluvia. Solo la cámara conserva estas imágenes para el arte.

La fotografía es estática.

El hombre percibe el mundo no solo con los ojos, sino también con todos los demás sentidos. Y puede transmitirlo en una imagen.

Las fotografías pueden captar una naturaleza fugaz.

Hay momentos en los que la naturaleza simplemente no posa para el artista. Un pájaro en pleno vuelo, un animal saltando, un relámpago rasgando el cielo, la fotografía lo capta todo.

La fotografía no capta los tonos sutiles de los colores.

La fotografía modifica los colores, los simplifica. Y, en general, los colores de la foto no son iguales en absoluto a los del modelo. Además, a contraluz la foto se blanquea; hay que ser un maestro de la fotografía para hacer una foto cercana a la realidad.

La fotografía te permite experimentar con el color.

Puedes experimentar con la foto, dándole una intensidad diferente, cambiando el matiz del color, dándole al motivo un estado de ánimo distinto. Así, un paisaje gris y monótono puede volverse misterioso y místico o luminoso y festivo.

Ninguna foto dará tanta impresión y adrenalina como el trabajo al aire libre.

Sí, está bien sentarse en un claro, escuchar el canto de los pájaros, fundirse con la naturaleza... Eso crea un estado de ánimo especial por el que los artistas vuelven al campo al aire libre una y otra vez. Y no importa que en el 90% de los casos un cuadro al aire libre sea solo un material subsidiario, que tal vez nunca se venda, el proceso es de lo más agradable.

Una foto capta los detalles.

Bueno, esto es una ventaja menor comparado con el argumento anterior. Pero, además de un boceto al aire libre, una fotografía sería un buen complemento. Es mejor hacer algunas fotos del paisaje en plano general, así como de algunos detalles. En combinación incluso con un simple estudio "plein air" sería de gran ayuda cuando se trabaja en el estudio para crear un cuadro sólido.

Como puedes ver, la fotografía, como fuente para un cuadro, tiene sus ventajas. El arte moderno apenas puede prescindir de la fotografía. ¿Y por qué ponerle límites? Lo importante no es cómo se dibuja, sino qué se obtiene como resultado.

Por eso, cada uno elige si dibuja del natural o de una foto.

Yo estoy a favor del "plein air" y estoy a favor de la fotografía.

¿Y tú qué eliges?